« Портрет человека | Главная | Виды выставок »
Портрет карандашом
Автор: Дмитрий Алмазов | 11 Янв 2015
Карандашный портрет - это один из самых излюбленных техник у повелителей кисти. Ведь она помогает добиваться различных изображений с минимальными затратами, что очень приятно для молодых художников. Техника " карандашного портрета" появилась в то же самое время, что и палочный грифель. Некоторые искусствоведы считают, что данная живопись появилась еще до нашей эры, в пещерах простых людей, которые называли такие изображения " наскальными рисунками". И все же это только мнение искусствоведов. Я предлагаю нам с вами разобраться: какие бывают преимущества и недостатки у карандашного портрета.
Начнем, конечно же, с преимуществ портрета карандашом предостаточно. Во-первых, как я уже упоминала ранее, вид довольно недорогой и позволяет любым дилетантам и новичкам почувствовать себя настоящими художниками. Во-вторых, карандаш со своей монохромностью помогает добиваться красочного, поистине цветного, изображения на бумаге. Да-да! Именно цветного! Монохромность позволяет художнику с помощью всего пары цветов рассказывать собственную историю. Кстати, карандаш позволяет решить противоречие между художником и зрителем. Ведь, если художник задумал одни цвета при работе над портретом, а зритель увидел на картине другие, то карандаш приведет их к компромиссу. В-третьих, из-за многочисленных видов карандашей, представляемых в современных магазинах, можно найти любые: мягкие, полумягкие, твёрдые, полутвёрдые. Мягкий карандаш помогает художнику добиваться прекрасной линии улыбки у модели. Полумягкий карандаш помогает получить объем и пышность волос. Твердый карандаш прекрасно подходит для написания глаз модели. С помощью полутвердого карандаша можно получить великолепные скулы, подбородок, щеки. В-четвёртых, техника карандашного портрета может подойти для абсолютно любого интерьера: от античности до авангарда.
В-пятых, карандаш помогает создавать прекрасные оттенки и полутона, которые не всегда передаются с помощью красок. Такие полутона чаще всего присутствуют в женских, карандашных портретах, а именно в копне волос и в линии улыбки. Не думайте, что в мужских карандашных портретах нет оттенков. Они есть! Только проявляются в основном в одеянии натурщика. В
-шестых, карандаш помогает сделать портрет "эталонно детализированным". Маленький стержень может прорисовывать и прописывать самые мельчайшие сегменты человеческого лица.
Мне кажется, что мы с вами уже достаточно поговорили о преимуществах карандашного портрета, которых у данного вида большое множество. Теперь попробуем разбираться в недостатках карандашной техники. Во-первых, это отсутствие многообразия цвета, хотя многие художники считают этот недостаток достоинством данной техники. Вернемся к цвету. Его действительно не хватает карандашу. К сожалению, немногие понимают, что именно хотел сказать художник своей работой, видя перед собой портрет в черно-белой гамме; поэтому многие сетуют на то, что портрет, выполненный карандашом, это вид тренировочной техники, но не вид самостоятельного искусства. Во-вторых, карандаш нельзя интегрировать с другими видами изобразительных средств. Ведь он не может существовать вместе с акварельными и масляными красками, которые собственной текстурой блокируют карандашу его ход движений по бумаге. И это, на мой взгляд, самый главный недостаток, потому что отсутствие цвета еще можно пережить.
Итак, портрет карандашом - это вид портретной техники, которая доступна всему человечеству: от мала до велика. Каждый может привнести свой этюд собственные детали, лишь слегка надавив на стержень карандаша.
Портреты предоставлены Воронежским художником Фоминовым Виктором. Заказать портрет Вы можете на странице контакты.
20 Янв 2015 в 14:57
Интересная статья! Но у меня небольшое дополнение. Карандаш может соседствовать с масляными красками. Это техника субстазий.
РЕАЛИЗМ – АБСТРОЕАЛИЗМ – СУБСТАЗИИ
ПРОБЛЕМЫ ПСИХОЛОГИЧЕСКОГО ИСКУССТВА.
«Мы, художники, свободны в своих поступках
также как поэты или безумцы».
Паоло Кальяри (Веронезе)
Поступки… Порывы души, трезвые расчеты, интриги, манипуляции… Мы «поступаем» каждую секунду, потому что каждую секунду мы живем. «Поступая», питаем свое сознание, которое когда-нибудь перестанет быть только нашим, так как по сути своей является объективной реальностью, принадлежащей вечности. Каждый из нас, маленькая крупинка уязвимого и смертного, затерявшаяся в огромном Космосе, – носитель непреходящего. С этим сложно справиться. Отсюда неистребимое стремление отдать и восполнить, поделиться своим и обогатиться новым, расширяя и совершенствуя то, что принадлежит тебе, уже отдано будущему без тебя. Условности. Ограничения. Нельзя. Нельзя, потому что нельзя. Потому что так не принято, так не делали раньше, к этому не привыкли… Всегда находится некто, который делает то, к чему не привыкли. Шок. Порицание. Дебаты: «А вдруг хорошо или все-таки плохо?» Время рассудит, но пробовать нужно непременно. Пробовать создавать – означает творить: создавать то, чего раньше не существовало, нечто новое. Результаты творчества наиболее зримы, осязаемы и воспринимаемы в искусстве.
Психологическое искусство. В общем-то, все искусство психологично, разница в глубинности затронутых слоев человеческого сознания, в задачах и целях. Моей целью в данном случае является усовершенствование восприятия художественных полотен. Усовершенствование в плане осуществленного в максимально полном объеме обмена информацией между зрителем и художником в лице его картины: эмоциональной, логической, этической и пр., исключая при этом момент утомления и, как следствие, «отгораживания» от увиденных работ. Добиться этого можно только переключением психических процессов субъекта в рамках просмотра одного произведения. Итак, что же мы видим, когда видим?
Живопись… Вот как раз ее-то мы и «не видим», но чувствуем. Эмоции включаются сразу же, несоизмеримо опережая начало аналитической работы мозга. Реакция на цвет молниеносна. К моменту «включения логических действий» человек уже загружен полностью: восприятие сюжета диктуется положительной или отрицательной окраской произведения для данного индивида, в свое время зависящей от выбранной художником палитры и сочетаний тонов. Абстракционизм в чистом виде (В. Кандинский, Дж. Поллок) не случайно отрицает форму и, как следствие, сюжет – все равно вторично. Однако в таком случае предел эмоциональной насыщенности наступает гораздо раньше, чем при вынужденном отвлечении мозга на обдумывание (выстраивание логических цепочек) реально изображенных сцен и предметов на холсте. Именно отсюда проистекает «подсознательный отказ» части общества от абстрактного искусства: «Непонятно – неинтересно». Не «неинтересно». Просто люди с низким пределом эмоционального восприятия быстро утомляются и теряют возможность вообще что-либо воспринимать.
С графикой, традиционной монохромной графикой, другая беда. Скучно. Цвета нет – эмоции post factum, надо думать головой: «Зачем здесь такие штришочки, а почему там тень, а вот она так стоит, а он, наверное, что-то говорит… и т.д., и т.п.» Целый день биться над математическими задачами может только преданный науке ученый, фанат логики. Но мы же не все такие. Мы просто люди. Нам хочется, чтобы были и чувства и расчет, желательно в приемлемых пропорциях. Очевидность вызвала необходимость: объединение графики (логического начала), живописи (эмоций) и абстрактной неопределенности объема (сиюминутного состояния) на одном холсте. Кстати последнее – абстрактные неопределенные объемные включения. К чему это? Да чтобы «смутить» наше надрывающееся сознание на некоторое время. Отвлечь его и от чувств, и от размышлений. Сбить, переключить. Знаете, как иногда бывает? Думали о чем-то определенном – потом провал. Вроде были мысли, но какие, о чем – никак не вспомнишь. Были, но не были. А весь предыдущий умственный процесс сбился и пошел уже в другом направлении, если, конечно, искусственно не вернуть его в прежнее русло.
Стремление как можно глубже «втянуть» окружающих в мир своего произведения, своих переживаний характерно художникам. Ближе всего к решению данной проблемы подошли символисты. Однако символизм как свойство искусства существовал задолго до второй половины 19 века., собственно говоря – всегда. Различия только в способе его преподнесения и процентном содержании. Одним из направлений символичного искусства является абстрореализм.
АБСТРОРЕАЛИЗМ* – это стиль живописи, гармонично совмещающий абстракционизм и реализм в рамках одного произведения на едином носителе (холст, картон и т.д.), базирующийся на символизме.
Несмотря ни на что, я ввела данный термин. Потому что не нашла аналогов внутреннему содержанию и изобразительному ряду среди других визуально подобных работ. Являясь разновидностью психологического искусства, абстрореализм может показаться подобным сюрреализму, но эти два направления в корне противоположны. В отличие от сюрреализма, фиксирующего бессознательное, «случайные моменты», абстрореализм, наоборот фиксирует «осознанные моменты», иллюстрирует психологические состояния и вполне определенные мысли человека, отображая их в несвойственной или не реальной форме, обстановке для большего вовлечения зрителя в поставленную проблему. Действительные предметы, будучи сами символами или воплощающие символ события, вполне доступны пониманию и прочтению, даже если интерпретация автора не совпадает с интерпретацией зрителя, так как сам символ частично абстрактен. Он не заключен в жесткие рамки заданной условности – многогранен. Обозрим с разных точек и под разными углами, меняющими его истолкование, однако не меняющие его глубинной сущности. Кроме того, реальное изображение «размывается» и постепенно перетекает в чистую абстракцию – ту самую неопределенность объема, отражающую сиюминутное состояние и служащую для пробуждения бессознательного. Активация бессознательного, являющегося хранилищем всего пережитого, включая генетическую память, при отдыхающем сознательном восприятии, с одной стороны нейтрализует ранее полученное эмоциональное впечатление, с другой – усиливает сопереживание зрителя на подсознательном уровне.
Казалось бы, все хорошо: загрузились цветовыми эмоциями, озадачились разгадкой символического сюжета и нейтрализовали впечатления абстрактной неопределенностью, Цикл: работа – усталость – отдых – совершен полностью. Увиденное отразилось в сознании, отправив в бессознательное, самые важные для индивида моменты. Вопрос в том, как проводилась «работа», и что в результате отправилось в бессознательное? Насколько эффективен был процесс? Абстрореалистическая картина по сути своей полноценная живопись, соответственно, при ее восприятии будет преобладать эмоциональная нагрузка, которая в ряде случаев просто «подавит» логическое начало. Следовательно, чистую живопись нужно разбавить не цветовыми графическими включениями, как самоценными частями художественного произведения. Это художественное произведение (полуживопись, полуграфика) – субстазия.
СУБСТАЗИЯ* – представляет собой традиционную монохроматическую графику, плавно перетекающую в реалистическую живопись с абстрактными, часто объемными включениями.
СУБСТАЗИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО* (лат. Subjectus субъект и гр. Stasis состояние) – психологическое искусство, основывающееся на неодинаковости влияний графики и живописи на психику человека.
Впрочем, собственно говоря, зачем вообще надо было что-то усовершенствовать, добиваться единства несоединимого, анализировать психологические процессы? Затем, что «художник по своей природе врач, исцелитель», а субстазическое психологическое искусство воздействует на психику и сознание регулируемо. Возможна элементарная проекция требуемого эмоционального фона (от отрицательного до положительного) в контексте запроса. Однако это уже из области арттерапии. Но, вне зависимости, разве кому-то может помешать (если не обогатить) более тонкое понимание себя в единении с себе подобными и не подобными? …
* Определения, данные автором.